【教養としてのお金とアート】公認会計士と美術商の異色の対談本

こんにちは。夫です。

ということで今回取り上げるのは山本豊津さんと田中靖浩さんの共著対談本「教養としてのお金とアート」です。

そんなお金とアートの関係性から、「価値と価格の本質」を探るのが本書のテーマ。著書の2人は公認会計士と美術画廊の代表。まさに「お金」の人と「アート」の人が対談しているのが本書です。

本書は具体的にアートについて学べる、会計について学べるというよりも「アートってなんなの？」「なんで価値があるの？」「会計ってなんなの？」というざっくりしたテーマが、対談の端々から得られるイメージです。この記事ではその端々をピックアップしていこうと思いますが、やはり対談本なので話の流れや前後の文脈が重要。ぜひ本書を手に取って読んでみてください。

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アートの本質はノスタルジー

もともとの実用技術は肉体的で文明的です。便利だとか不便だとか、社会生活に必要だったけれども、時が経てばさらなる文明の発展によって廃れることがある。廃れると、そこに懐かしいと感じる心が生まれる。その懐かしさを感じさせるものが出てきた時に初めて、アートの概念が生まれるのです。モノを実用しているときは心の問題でなくて生活の利便性、肉体的な問題だけど、部屋を片付けていたら小学生のとき遊んでいたブリキのおもちゃが出てきた。いまやもう売られていないブリキのおもちゃ。するとこのおもちゃに対する懐かしい気持ちがアートになって、数百円のおもちゃが数万円とかになって売買されるようになるのです。そんな懐かしさを含む気持ちが僕は文化だと思う。
引用：教養としてのお金とアート

懐かしさ、ノスタルジーがアートであり、モノとしての価値に心理的な希少価値が追加されるという考え方です。実際、アートの大半は実用的ではありません。山本豊津さんがいう懐かしさはアートの価値基準の一つでしょう。浮世絵も今では一つのアートとして価値が高まっていますが、明治の頃は山のように作られ、捨てられていました。そこから時代の変遷を経て残ったモノに「懐かしさ」が加わり、アートとして評価されるようになってきたのです。

ここでは「懐かしさ」に焦点を当ててアートの価値について話していますが、もちろんアートの価値や方向性を決めるのはそれだけではありません。もっと広く言うと、文化や文明、社会という大きなレベルでアートの価値は動いています。

面白かったのは日本人の「翻訳能力」と「言語能力」について。海外の本でも少し話題になれば翻訳されます。こんな国は滅多になく、多くの国で英語の本を読むためには英語を勉強しなければなりません。そんな圧倒的な翻訳能力は、おそらく中国から漢字を輸入して翻訳、さらにひらがなやカタカナに発展していった経験から生まれたものでしょう。
その圧倒的な翻訳能力の弊害で、日本人の言語能力、特に高年齢男性の言語能力が低くなってしまったんです。経理に無言で紙を突き出せば「経費精算しておきます」って理解してくれる。翻訳能力が高いので、ちゃんと説明しなくても伝わってしまうんです。

僕も絵を買いたい人にこんなアドバイスをします。まずはギャラリストやアーティストから描いた絵について説明を聞きなさい。そこでは、その絵や技法が生まれた由来が話されると思います。次にそこで聞いた説明を第三者である僕に再現してみてください、と。それが再現できないなら、絵を買うのをやめたほうがいいと忠告します。
<中略>
コンテクストがしっかりしていないと、人から説明されても理解できません。さらに理解するだけでなく、それを人に説明できてやっと本物です。そこまでコンテクストがしっかり存在していて、自分が理解できていることが絵を買う最低条件だと伝えます。
引用：教養としてのお金とアート

アートの価値は作品そのものではなく、コンテクスト(文脈)の中にあります。絵という存在は有限な物質ですが、コンテクストには無限の可能性がある。だから素晴らしいコンテクストを見つけたアーティストの作品は常識では考えられないような高値で取引されます。

この視点はビジネスの現場でも同じ。「あれやっといて」で通用するのが古き良き日本の文化だと考えることもできますが、それじゃ通用しない時代なのも確かです。ちなみにJAL(日本航空)は言語技術研修を取り入れているそうです。その理由は、日本人パイロットの身体能力、判断力、倫理性などは世界トップクラスだったのに、唯一、言語能力だけが低かったからなのだそう。

感性の時代にNoを突きつける模倣の重要性

アートの著作権は本当に難しい問題です。五線譜で記号化できる音楽は比較的盗用がバレやすいですが、絵画はこれと比べて盗用が認定しにくい。
これは僕の考えですが、99％の模倣と1％の独創であればオリジナルと認めていいと思います。ただしその1％の独創、革新が自己満足ではダメで、第三者にもきちんと説明できるものでなければいけない。いまの日本は1%の独創性が強調されるあまり、99%の模倣の重要性が軽視されすぎだと思います。音楽でも美術でも、若い頃に模倣する訓練をしなければ大成できません。模倣によって培った基礎力の上に1%の独創を加えることが大切なのです。
引用：教養としてのお金とアート

前述の通りアートの価値の大部分はコンテクストにあります。さらにいえばグローバルスタンダードと呼ばれる「共通の土台」も必要です。共通の土台とは、例えば多くの人がアップル製品を使っているからアップル製品が便利で、アップル製品用のアプリなどが作られることや、数字という世界共通言語などです。
もちろんアートの世界にも共通の土台があって、例えばゴッホやレオナルド・ダ・ヴィンチなどは共通の土台と言えるでしょう。アートのコンテクストは、こうした共通の土台の上に新しく作られたストーリーなんです。

これもビジネスで同じことがいえます。99%の模倣に1%の創造性。わかりやすいのはiPhoneでしょう。iPhone以前からスマートフォンはありましたし、タッチパネルもありました。一つ一つの技術を突き詰めると、他の企業が開発したものの模倣が99%でしょう。
アップルはそこに組み合わせ方やマーケティング方法、デザイン性など、1%の創造性を付け加えました。表面に見える部分なので大きな要素に見えますが、iPhoneを形作る無数の技術のなかで、デザインやマーケティングなどはせいぜい1%程度の領域しかないと思います。
その1%の創造性によって、iPhoneは世界を変えたわけです。今度はGoogleがiPhoneを模倣してAndroidを生み出しました。Androidの創造性はどこにあるでしょうか？iPhoneと違いOSだけを提供しデバイスを他社に作らせることで多様性を持たせたことが考えられますが、これと同じことを何十年も前にMicrosoftがやっているので模倣です。そうやってビジネスの成功事例もどこが模倣で、どこが1%の創造性なんだろう、と考えると面白そうですね。

「芸術」という言葉もまだ150年しか歴史がないので、まだ自信をもって話せていない気がしますね。やはりまだ日本の場合は、美術が持っている道具性みたいなものから離れられていない。絵というのは元々イラストレーションだったわけでしょう。世界はすでに絵とイラストレーションを区別しているのですが、僕が見ている限り、いまの日本の絵画の80%はイラストレーションに思えます。
<中略>
イラストレーションは簡単に言えば挿絵です。たとえば花の図鑑で、文章の横に補足説明の絵がついていますよね？あの絵がイラストレーション、つまり挿絵です。説明のためのイラストレーションを脱して、それ独自の思想や意味をもつものが、僕のいう「絵画」です。
引用：教養としてのお金とアート

日本ではアートに重要な模倣が軽視されていることに加え、もう一つ課題があるといいます。それが、アートとイラストレーションの違い。山本豊津さんはアートとイラストレーションについて「独自の思想や意味を持っているかどうか」という基準を持っています。「芸術」という言葉のもとになった「藝術」は「後漢書」という三国志より前からありますが、日本で「芸術」「美術」という言葉が浸透したのは明治以降です。

フェルメールは、持ち主によってキャピタルゲインではなく、所有しながら入場料、貸出したグッズ販売などのインカムゲインで稼ぐことになります。ピカソはどちらかというと売買で稼ぐキャピタルゲインの方が大きいかもしれない。ダ・ヴィンチはインカムゲインで、キャピタルゲインじゃない。日本のアーティストで最高額と言われる雪舟はインカムゲインも小さく、キャピタルゲインも少ないから、マーケットでの価値が下がってしまう。日本はこのことを真剣に考えないといけません。
引用：教養としてのお金とアート

マーケットのメカニズムでいえば、供給量が少ないほど値段が上がるはずです。でもアートマーケットではそうなっていません。多作で知られるピカソの絵は今も大量に高値で取引されています。その理由はそもそもある程度のボリュームがないとマーケットとして成立しないからです。ピカソの絵は、アーティストとしては多いけれど希少性が下がるほどの供給量はない。だからマーケットで頻繁に売買されキャピタルゲインを得ることができます。
一方で、作品の数が少ないアーティストの作品は売買によるマーケットが成り立ちにくい傾向にあります。そもそもマーケットに出ることが少ないので、基準価格もわかりにくいからです。そうしたアーティストの作品は貸出しなどで継続的に収益を発生させるインカムゲインで稼ぎます。

企業が株価を上げたい理由

「なんで株価は毎日動いているのに会社の資本金は変わらないんですか？」という質問を受けます。株価が上がったり下がったりするのに、なぜ会社の資本金は動かないのか、と。これを理解するには株式の発行市場と流通市場を分けて考えないといけません。発行市場とは最初に株を売り出したときの市場です。このとき会社に入ってきた調達資金が「資本金」になります。一方、株式が発行されたあとに、それが取引されるのが流通市場です。ここで株式がいくらで売買されようと会社がかつて調達した金額は変わりません。
(ではなぜ経営者が株価を上げようとするのかというと)1つには新たな資金調達を有利に行うためです。株価を上げておけば、いずれ行う新規発行の際に手にできる金額が大きくなります。時価発行増資のときに有利になるということです。それからもう1つ、株価を上げておけばM&Aを有利に行うことができます。自社株を現金の代わりに使うM&Aの場合、株価が高ければ高いほど1株が高い値打ちをもつからです。そういう意味で、新株発行やM&Aをやらない会社については、株価ってあんまり気にしなくていいわけです。
引用：教養としてのお金とアート

ここまでアートの話を中心に引用してきましたが、本書のテーマは「お金とアート」です。なので簿記の歴史なんかも振り返りながら、そことアートが絡んだりしています。

その理由として本書で説明されているのが、「新株発行での資金調達を有利にする」と「M&Aを有利に進める」ことです。1万株の新株発行で資金調達をする時、1株5000円なら5000万円ですが、1株1万円なら1億円になります。株価を上げておけばいざという時の資金調達が楽になるということですね。
もう一つのM&Aですが、企業買収ではよく株式交換という方法が使われます。5000万円の価値がある企業を、5000万円の現金ではなく、1株5000円として1万株を渡す形で買収するというものですね。この時も買収する側の株価が1株1万円なら、渡す株の数は5000株で済みます。

発行市場と流通市場という言葉が出てきましたが、株式市場と同じように、アートにも発行市場と流通市場という2つの市場があります。いわゆる「プライマリー」「セカンダリー」と呼ばれるものです。

改めて「美意識」の意味を問う

美意識というのは、目の前に出された絵の価値がわかるとか、美術史的な知識があるというとか、そういうことではなくて、究極的には「自分の人生を、生きているうちに作品化しようとする志」だと思うんです。僕たちが先達を見て美しいと思うのは、自分の人生の結末を完結できている人です。そのために芸術があると僕は思っているんです。つまりコレクションです。芸術家は、自己を商品化するとしかしないとか考えるのも大切ですが、自分の人生を作品として成立させるというダ・ヴィンチがやってきたことが、究極の目標だと思います。それが、美意識だと思うんです。コレクションも表現なのでコレクターの美意識が出ますよ。
引用：教養としてのお金とアート

おそらく本書での一番大切なメッセージはここにあると思います。以前「ハーバードの美意識を磨く授業」という本を紹介しましたが、ここでも大切なメッセージは「顧客を単なる”消費者”と見るのではなく”人間性を備えた一人の人間”として関心を持ち、尊重する」ということでした。

本書に書かれている「自分の人生を、生きているうちに作品化しようとする志」とは方向性が逆ですが、同じことを言っていると思います。「ハーバードの美意識を磨く授業」では企業と顧客の関係性において、相手の人間性に関心を払い尊重することに美意識があると言い、「教養としてのお金とアート」では一人一人の個人に対して、自分の人生や人間性に関心を払うことが美意識だと言っています。

教養としてのお金とアート

ということで今回は「教養としてのお金とアート」を紹介しました。

今回はあまり紹介しませんでしたが、本書では簿記や経済の歴史、アートの値段・価値の付け方、これからのアートのあり方、日本の近代史や貨幣など、色々な話が出てきます。本書は一つのテーマを深ぼっているというよりは、一つのテーマをどんどんいろんな話に展開していくタイプのものなので、興味の幅がものすごく広がりました。

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